GERMAINE CHAUMEL : Célébration d'un talent
à mon ami Vincent Decorsière
Je reviens avec Germaine Chaumel. Comme avec la fameuse pépite qu'on a trouvée dans son tamis. Il faut insister. Insister encore. La pépite cache un trésor. Il y a là une artiste, un élan, une envergure, une griffe, un courage et un charme particulier, il y a surtout entre elle et nous, un impardonnable gouffre de silence qu'il faut combler. Il faut expier le long silence et célébrer le réveil de la conscience et du bon sens. L'oeuvre est reconnue oeuvre. On rend à Germaine Chaumel ce qui lui revient. On la célèbre. Il y a de quoi. C'est un oiseau rare, une oiselle splendide, un oeil imparable, un modèle de pertinence. Une esthète. Une femme qui a l'amour de son art. Cet amour sème des frissons sur l'oeuvre, nous les recueillons avec béatitude. Je viens de longuement consulter l'excellent ouvrage qu'un ami m'a adressé : "Germaine Chaumel, femme photographe", paru aux éditions Privat et aux Archives municipales de Toulouse. Un objet précieux, un livre-bijou. Un recueil d'images magnifiques : pièces historiques, artistiques, sportives (elle était aussi reporter sportive), portraits sublimes, formidables natures mortes, paysages, reportages, images spontanées. Le talent règne sur ce recueil. Chaumel excelle dans les domaines tellement différents où elle s'aventure. Il y a de la virtuosité chez elle, des impulsions géniales, un sensibilité formidable, une ouverture d'esprit, une profonde et poignante humanité, du nerf, le goût du travail léché, l'aptitude à se laisser surprendre, un savoir et un instinct qui collaborent formidablement. Il y a du grandiose là-dedans, semé avec humilité, comme s'il s'agissait d'un pollen.
Je viens de découvrir l’existence de cette artiste indienne. Il m’a fallu peu de temps pour me dire que, hélas, si l’artiste avait été un homme, on lui eût élevé des monuments. Pourtant, cette femme – d’une beauté remarquable et qui disparaît d’une façon inquiétante, à l’instant où son sacre devient possible -, est une incroyable puissance de nouveauté. Elle apporte dans l’Inde de son père, avec une classe et une virtuosité rares, le violent tumulte de l’art moderne. Une Inde qu’elle aime, qu’elle respecte et qu’elle s’approprie lentement, passionnément, dans une quête sans fin. Elle est celle par qui un changement s’opère. Amrita Sher-Gil est une figure de la nouveauté, de la loyauté et de la fidélité. 
Amrita Sher-Gil est née en 1913 à Budapest. Son père est un aristocrate sikh, un intellectuel versé dans l’étude du sanskrit et du persan. Sa mère, Marie-Antoinette Gottesmann est une artiste lyrique hongroise d’origine juive. Le couple a deux ans, Amrita est l’aînée. L’enfance d’Amrita se déroule à Budapest, « la perle du Danube ». Amirta est la nièce d’Ervin Baktay, d’abord peintre et ensuite auteur, célèbre indianiste connu pour avoir popularisé la culture indienne en Hongrie. La vocation artistique d’Amrita apparaît tôt, elle est immédiatement encouragée par la mère de l’artiste mais également par son oncle qui la guide et la conseille. Dans ce milieu intellectuel et artiste, Amrita jouera du violon, du piano, elle donnera avec sa sœur Indira de petits concerts et de petites représentations théâtrales. Amirta, dit-on, peignait dès l’âge de cinq ans mais elle a officiellement commencé à peindre à l’âge de huit ans. En 1921, la famille s’établit à Shimla, en Inde.
En 29, Amrita et sa mère prennent à nouveau le chemin de l’Europe. Amrita veut entreprendre une formation de peintre à Paris. Elle fréquente successivement L’Académie de la Grande Chaumière, fondée en 1902 par Martha Stettler et qui se démarquait par un rejet des règles strictes de la peinture académique, et, entre 30 et 34, l’Ecole des Beaux-Arts où elle aura pour professeur Lucien Simon. Elle se nourrit, ai-je lu, de l’influence de Cézanne ou de Gauguin. Elle se fait, dans ce groupe d’élèves, une place parmi les jeunes peintres et se lie avec l’artiste russe Boris Taslitzky, qui deviendra un adepte du réalisme socialiste. Les premiers travaux d’Amrita révèlent, très logiquement, une influence des modes occidentaux de peinture et s’inscrivent dans cette mouvance de la peinture des milieux bohèmes du Paris des années 30. C’est en 1932 qu’Amrita peint sa première œuvre significative, une œuvre intitulée « Les Jeunes Filles ». Grâce à cette œuvre, Amrita devient membre associé du Grand Salon à Paris en 1933. Ceci fait d’elle, paraît-il, la plus jeune et la seule artiste asiatique à avoir bénéficié de cette reconnaissance.
L’Inde attire Amrita, elle l’appelle. Elle commence, écrit-elle, « à être hantée par un désir intense de retourner en Inde ». L’artiste, mue par une curiosité légitime et qui touche à l’essence de son identité, a entrepris une quête : redécouvrir les traditions de l’art indien. Cette quête ne prendra fin qu’avec la mort de l’artiste. A cette époque, on lui prête une aventure sentimentale avec le journaliste et écrivain anglais Malcolm Muggeridge. Durant un voyage de découverte des racines indiennes, elle s’enthousiasme pour les écoles Mughal (style particulier de la peinture en Asie du sud) et Pahari (style pictural de l’Inde du Nord) mais également pour la peinture rupestre dans les grottes d’Ajanta (parmi les plus beaux exemples ayant survécus d’art indien). 
En 38, Amrita épouse son cousin, le docteur Victor Vegan. Elle affermit ses influences indiennes dans l’amour qu’elle porte à l’œuvre des deux Tagore, Rabindranath (chez qui elle aime le portrait de femme) et Abanindranath (qu’elle aime pour son clair-obscur ou ses couleurs). Elle poursuit sa conquête picturale de l’âme de l’Inde. Elle représente le rythme de l’Inde rurale. La critique salue l’œuvre, l’œuvre trouve pourtant peu d’acheteurs. Politiquement, elle n’épouse pas les opinions familiales, elle est indépendantiste, elle aime la philosophie et le mode de vie de Gandhi et elle apprécie Neruda (qu’elle a rencontré et qui admire son talent et sa beauté), elle est une sympathisante du Congrès.
Le couple s’établit à Lahore où l’artiste établit son atelier à l’étage de la maison. Nous apprenons qu’Amrita – et je crois avoir compris, en écoutant quelques spécialistes de l’œuvre, que le couple n’était pas épanoui et que l’époux n’avait aucune fibre artistique – a des aventures dont quelques-unes homosexuelles. Quelques œuvres la représentent avec l’un de ses amantes. 
Pour le reste, j’ai envie de rendre grâce. Cochereau est une créatrice d’univers, elle bâtit des espaces et des dimensions dans lesquels je prends plaisir à flâner, à éprouver, à ressentir. J’entre dans l’œuvre comme dans un verger onirique et j’y coule des instants magnifiques et intenses. Dans ce lieu du rêve, la réalité est toutefois convoquée, citée à comparaître, la réalité et le cauchemar. Tout ce que j’aime est ici au rendez-vous : la poésie visuelle, l’humour, l’allégresse, l’insolence, une originalité sans fatigue, la position offensive, la malice, la profondeur, la pertinence, le sens de la citation, l’intelligence, une électricité surréaliste tout à fait singularisée, personnalisée, un sens de la couleur, de l’expressivité, de l’atmosphère. Je pourrais, si je cédais à la tentation, longtemps allonger ce répertoire. 
IRIS CASCADE Je vivais au pied de la cascadej'étais jeune et humidetous les mille ans je changeais d'ombreje mangeais des loirs et des papillonsEt puis rien n'est venu Les pierres roulaient dans le soleilIl y avait du soleil une ou deux fois par nuitet des bêtes prolongées, avec des rires de femmesIl y avait des femmes une ou deux fois par rêveJe ne sais pas ce que c'est
Deux lions rougissaientmais au soleil couchantmais c'était de plaisirmais parler lion libère Mettre une cravate dans le contenuregarder l'heure attendre un peuManger une mouche et sa vertuattendre encore regarder l'heure
