M A R I E    N O U R I

Faire de soi le sujet et l’objet de son art

Une étoile du pop art iranien

Une petite idole est née. Elle lance sur le web sa propre galaxie, elle est en l'astre et les stalellites. Amoureuse de la photographie et de son histoire, artiste ingénieuse et inventive, pop artiste raffinée, modèle & femme superbe, la magnifique Iranienne propose au travers d'elle un portrait de femme à l'écart de tous les stéréotypes.  

Je découvre, au hasard de mes pérégrinations internautiques, une photographe iranienne. Son univers me passionne. C’est une excellente photographe mais ce qui m’intéresse avant tout, c’est ce travail photographique dans lequel elle se met en scène. Elle est son sujet et son objet. Dans sa perception étonnante de l’art photographique, Marie Nouri, capitaine et équipage d’un époustouflant rafiot, cumule un nombre incroyable d’emplois : photographe, bien sûr, mais aussi modèle et actrice (avec une palette très étendue de beaux personnages féminins), scénariste, éclairagiste, affichiste et certainement peintre. Au bout de tout cela, de cette quête, de ce jeu, de cette rotation, de ce cinéma, l’artiste sans doute s’approche de soi-même, s’apprivoise, s’analyse mais aussi nous entraîne dans cette valse de tous les états, dans ce curieux manège spéculaire. Cette approche, qui peut sembler narcissique, nous fait songer à l’étonnante aventure d’un Pygmalion se sculptant soi-même. L’aventure artistique de la belle Iranienne présente, par certains aspects, une dégaine rock’n roll centrée sur le culte de l’image et l’esthétique de la pochette d’album. Parfois même, certaines compostions font penser à des affiches de cinéma. Mais son travail dépasse de loin l’exploitation d’une esthétique agréablement superficielle. Car il n’est pas ici seulement question d’être jolie et de plaire. Marie Nouri, belle sans doute, est tour à tour désemparée, folâtre, désespérée, drôle, agressive, inquiétante, superbe, proie & prédatrice, décomposée, volatile, charnelle, spirituelle, morbide. Elle se promène dans l’histoire de l’image, de ses origines dirait-on, à ses toutes récentes potentialités. Et finalement, tout à fait à l’écart de l’être construit, poli, verni, iconique, à l’écart de la femme idéale longuement remodelée, elle réalise, pas à pas, image par image, un étourdissant portrait de femme complète et profondément humaine. Et cette belle femme, avec une remarquable habileté, fait glisser le glamour et le glacé du paraître vers les rugosités, les charmes et les effrois de l’être.

J’ai demandé à l’artiste de me parler un peu d’elle. Voici ce que cela donne. Marie Nouri est née le 2 décembre 1982 à Téhéran. Elle a étudie l’Architecture à l’Université d’Art et d’Architecture.de Téhéran. Elle y suivait un cours de photographie qu’elle a terminé avec une mention d’excellence. Son professeur la jugeait douée et l’a encouragée à poursuivre la photographie. A cette époque,  elle possédait une très vieil appareil Zenith analogue et elle a commencé a épargné en vue de l’achat d’un meilleur appareil. Ça lui a pris environ 5 ans, écrit-elle, pour parvenir à acheter un SLR (Canon 350 D). De ce jour, poursuit-elle, son appareil est devenu son plus grand amour. Comme un grand nombre d’autres étudiants, elle appréciait tous les grands maîtres de la photographie. Elle ne sait trop pourquoi mais Eugène Atget (photographe français spécialisé dans les vues de Paris et regardé comme un des maîtres de la photographie moderne, 1857-1927) était son favori.

Depuis 2005, elle commence à montrer ses photographies sur le site photo.net (voir en dessous les espaces consacrés à l’artiste) et d’aimables photographes expérimentés l’ont, avec leur assistance et leurs commentaires constructifs, beaucoup aidée à progresser. Ce processus s’est poursuivi durant la réalisation de son Jpg Mag (voir les espaces consacrés à l’artiste).

Elle ne considère pas son appareil photographique comme un instrument mais comme une part d’elle-même qui l’aide à se connaître et à connaître le monde, mieux et plus en profondeur de jour en jour. Je lui demande de nous parler un peu de ses dilections. En musique, ses préférences vont à Bach et au groupe Pink Floyd avec lequel elle a grandi mais elle écoute tous les genres de music depuis le folk et la country jusqu’au death metal (le métal extrême) Quoi que ce soit, exhaussé d’une pointe d’âme, l’inspire et elle est reconnaissante envers tous ces artistes qui tentent de faire de ce monde un endroit plus habitable. Ses auteurs préférés sont Friedrich Nietzsche, Ludwig Wittgnestein et Carl Jung. Elle aime les poètes de son pays : Hafez (poète, philosophe et mystique persan du 14^ème siècle), Rumi (poète et mystique musulman persan du 13^ème siècle. Il a écrit :  L’amour n’est pas l’or/ On ne peut le cacher. / Les effets de l’amour sont apparents.), Omar Khayyam (poète et mathématicien persan du 11^ème siècle). Elle apprécie aussi beaucoup  Jerome David Salinger, Charles Bukowski et l’écrivain et poète américain Richard Brautigan.

Au cinéma, elle a une prédilection pour les films qui ont été primés. 

Voici des lieux où l’œuvre de Marie Nouri peut être vue, les lieux que fréquente notre merveilleuse petite star du pop art iranien  :

K A R I N E    K R Y N I C K I

Quand la ferrailleuse se fait sorcière et poétesse

Découvrons ensemble une artiste française ingénieuse et douée d'un grand sens poétique de la création et de la récréation. Humble mais cultivée, habile et habitée, simple et inspirée, l'artiste Karine Krynicki est une inventeuse d'âmes, une sorte de chamannesse. 

Voyons un peu ce que l'artiste nous apprend sur elle : 

"Je trouve qu'il y a de la magie à travailler les matériaux issus de la récupération. La transformation est un jeu. Détourné de sa fonction première, l'objet devient matière et se fait oublier. Dans une rencontre improbable, les objets s'assemblent pour devenir un nouveau tout qui devient indissociable comme s'il avait toujours existé. Trouver cette harmonie motive ma démarche et mon amusement. Je pose sur ces objets un regard quasi naïf et je me laisse porter par mon imagination. Je recherche l'expression, le détail qui animera l'ensemble, qui suscitera une émotion. 
De là, naît tout un univers d'animaux et de personnages qui semblent tout droit sortis de l'imaginaire d'un enfant, avec son regard sur le monde, son lot d'histoires, de questions, de rires, de peurs, d'innocence et … de boulimie de vie."

J'ai immédiatement été séduit par le charme magique de cet étrange petit sphinx

Ma  Démarche

 “La Terre est bleue comme une orange” de Paul Eluard ou “Au tour du pain de rompre l'homme” de René Char ont depuis longtemps été parmi mes vers préférés. L'étrangeté première des rapprochements insolites et soudain la lumière d'une évidence. Petite fille, je regardais les nuages y voyais des personnages et m'inventais des histoires, je fabriquais des poupées en chiffons, avec des bouteilles en plastique ou encore des épis de maïs. Le plaisir du détournement ne m'a jamais quitté. Plus tard, c'est dans les mots, des poètes surtout, mais aussi des artistes, Dada, les surréalistes, puis Alechinsky, Basquiat... que je me suis rendue compte du pouvoir de transformation de la réalité que la création permettait. Un pouvoir ludique, presque jouissif de bousculer d'un côté, l'objet lui-même en le détournant de sa fonction première et de l'autre le regard du spectateur interpellé, invité à changer de point de vue.

Ce que je recherche aujourd'hui, c'est ce même plaisir. Faire que des objets dans une rencontre a priori improbable, s'assemblent pour devenir un nouvel objet utile ou inutile et que ce tout devienne alors naturellement indissociable comme s'il avait toujours existé. C'est trouver cette harmonie qui motive ma démarche et mon amusement. Car je m'amuse avant tout. Dans la recherche même des objets et matériaux de départ que je chine sur les vide-greniers ou brocantes, que je récupère en bord de route ou sur un trottoir ou encore dans les déchets voués à la benne... Il est rare que je sache au départ ce que je recherche (il est aussi plus facile de trouver ce qu'on ne cherche pas...). Ce sont les objets eux-mêmes qui me séduisent par leurs formes évocatrices qui m'inspirent tout de suite d'autres formes, une courbure, un profil... ou déjà des rencontres. Je pose sur eux un regard quasi naïf et je me laisse porter par mon imagination. 

J'ai une prédilection pour les objets en métal rouillé, patinés par le temps, chargés d'histoire que j'aime à imaginer puis à continuer à travers le détournement et la création. Il y a une vraie jubilation à redonner vie dans le présent de l'oeuvre à des objets du passé, oubliés, voués à être jetés. Parfois, j'intègre dans mes créations d'autres matériaux, le bois surtout, bel allié, mais aussi le plastique ou des emballages d'aujourd'hui (papier, verre, carton, canettes...).

Dans les luminaires, j'essaie de trouver la cohérence qui réussira à faire oublier la fonction initiale des objets utilisés. J'aime jouer sur l'alliance du moderne et de l'ancien, et mêler élégance et côté récup' brute.
Dans les sculptures, à travers l'assemblage d'objets et matériaux de récupération souvent simples, voire même simplistes parfois, c'est le rendu d'une expression que je recherche. Le détail qui animera l'ensemble, qui suscitera une émotion. Dans le détournement, j'utilise toujours l'humour, mais j'ai besoin de la sensibilité.

Ce que nous en disons :

Né en 1970, Française, Karine Krynicki est une artiste plasticienne qui sculpte, modèle, peint et trouve sa matière dans les objets délaissés, blessés, détériorés, déclassés, désaffectés, elle les requinque, leur imagine de nouvelles destinées, leur  invente de nouvelles affectations, les soumet aux grâces et aux magies de son imagination. Elle regarde son entreprise artistique comme un jeu, ce qui, à mon humble avis, n'a rien de péjoratif ou de restrictif et ajoute à l'aventure une lointaine épice, une charmante épice revenue de loin. Des vergers, des rues, des squares, des jardins de l'enfance. Il n'est pas requis, pensons-nous, de s'emmerder pour créer. Par ailleurs, chez Krynicki, le bonheur de la trouvaille, la saveur de l'idée originelle, le plaisir de l'aboutissement sont lisibles dans les œuvres, ils y étincellent. On les perçoit et c'est une heureuse perception. Mais ce ravissement ne me paraît pas l'apanage de l'enfance. C'est celui de l'artiste, de l'artisan parvenu heureux, satisfait au terme du processus créatif. Cette joie, je pense, persiste dans l'état adulte. Je crois qu'il reste à l'intérieur de l'adulte, - à l'écart de ses empêtrements, désillusions, dégonflements -, des carillons, des feux d'artifice, des choses qui tournent à l'image des manèges, des musiques chaleureuses, des bouffées de tendresse, des sachets de dinguerie, des faunes et des flores rescapées des grosses moissons de la raison.

L'art de Krynicki est un art joyeux aussi, mais pas seulement. S'il rit, s'il porte une joie intérieure et rayonnante, il ne craint pas de marcher sur l'absurde, le surréel, l'étrange et même le tragique. Dévoyer les choses, les détourner, les soigner, les transfigurer, transformer leur inertie objectale, leur conférer une présence n'est pas anodin. Il y a toujours un peu du docteur Frankenstein (singulier enfant de Madame Shelley) dans l'opération, de la fée aussi, de la sorcière, de la ferrailleuse, Oui, la sorcière aux pouvoirs magiques entre en jeu (c'est l'artiste qui parlait de jeu) pour instiller un âme à l'objet, le faire passer du fonctionnel au spirituel, de la chose au fétiche. Ces objets sont chargés de sens, d'émotion, ils portent sur eux cette métamorphose qui est leur salut, ce passage du néant fonctionnel au talisman. Les dieux ont seuls ce pouvoir de ressusciter. Passage du vide à l'émotion, au silence habité et à l'expression de quelque chose. Dans ces dévoiements habiles, poétiques, magiques, il y a l'entretien d'une flamme spirituelle. Un dépassement de la matérialité. Une confiance en la poésie, en l'image, le symbole, l'analogie, les figures. Une sorte d'élévation.

Ainsi, les objets spirituels de Krynicki sont pour moi des poèmes en trois dimensions que je regarde, que j'écoute, que j'entends respirer, sourire, parler une langue légère et profonde, fragile. Rescapés des dépotoirs et des fourrières, des cimetières de l'inutilité, ils sont, par l'entremise d'une artiste, entrés dans le monde inespéré de l'oeuvre, cet objet qui parle, rit, se moque, implore, rayonne, prie, hurle, crée des relations. Ils sont venus à nous et, surpris et charmés, nous entrons en relation avec eux.

AURORE  LEPHILIPPONNAT

La formidable rencontre de l’art et du sauvage 

• http://www.aurore-lephilipponnat.com

Aurore Lephilipponnat est une jeune et très talentueuse artiste peintre et dessinatrice française née le 4 novembre 1983. Elle est animiste et milite pour les droits des animaux. Elle vit à Trans-en-Provence. Elle pratique aussi la performance (peinture en direct devant un public).

L’univers de l’artiste, ai-je d’abord envie d’écrire avec une consciente superficialité, n’a pas grand-chose à voir avec sa jeunesse et sa joliesse. Elle présente sans doute une lointaine parenté avec l’univers du peintre et dessinateur autrichien Egon Schiele mort à 28 ans de la grippe espagnole en 1918. Ceci pour rappeler qu’on peut être jeune et porter sur ses épaules toutes les hantises du monde. Il y a une influence de Klimt, avec quelques citations et, dirait-on, une espèce de dialogue engagé avec lui. Mais ceci, l’évocation des parentés, des influences vaut surtout quand on ne sait trop que dire d’une œuvre. Disons que l'artiste témoigne dans son oeuvre de son amour de l'art et de sa passion pour certains artistes.

Le travail de Lephilipponnat semble résulter d’une sorte de précipitation de la maturité en même temps que d’une exacerbation de la lucidité. On semble parfois même être confronté à l’oxymore d’une lucidité hallucinée qui permet à l’artiste de voir au travers des corps qu’elle peint avec vigueur et force, de faire en sorte que l’agencement même des lignes qui composent ces corps en expriment les violents états émotionnels. Ces corps, elle les saisit dans leurs fièvres, leurs passions, leurs convulsions ou leurs décrépitudes. Il s’agit souvent, plus spécifiquement peut-être dans ses dessins, d’une saisie violente et torturée. L’artiste semble chercher à capturer la structure de l’être, son ossature, son squelette, son décharnement. Elle donne aussi, me semble-t-il, sa faille. Elle semble vouloir aller jusqu’à l’os mais en même temps jusqu’à l’âme. Il y a quelque chose qui crie dans ce dessin, quelque chose qui hurle et qui vous étreint violemment. Quelque chose qui vous secoue aussi.

Il y a un immense fond de désespérance dans cette œuvre fascinante, une sorte de chorégraphie du désespoir. La nudité semble aller de pair avec un dépouillement extrême, un déchaussement de la chair. Les visages, lorsqu’ils sont visibles, disent la désolation, la détresse. Il y a peut-être aussi, comme un constat sur l’espèce, une sorte de morbidité ou de proximité de la mort que souligne le gris bleuté des corps parfois orné de soulignements rouges qui font penser au sang et à la plaie.

Il y a, dans la peinture de Lephilipponnat, des éléments qui paraissent moins agités, plus apaisés et plus composés. Mais il y a surtout dans l’œuvre une formidable alliance entre le nerf et la réflexion, entre le tempérament et la composition, entre la vitalité et la technique. Mais ici, où que je porte les yeux, vers l’un ou l’autre des aspects qui composent cette oeuvre abondante en cours de construction, je suis conquis par l’adresse, par le tonus, par l’extraordinaire expressivité, par la violence du propos. Il y a ici une rencontre en altitude, très haut, une rencontre passionnelle entre le sauvage et l’art.

 Aurore Lephilipponnat, - je parie là-dessus-, est une artiste qui a une place dans l'avenir.

Œuvres de Sylvie Cairon

ANNONCE 

Vilhelm Hammershoi - Sarah Sedwick

 Elégie pour une Martienne

Marie Laurencin - Alice Pike Barney

Août 2014 

Andrew Wyeth

Élégie 

Anders Zorn

La Vie d’astres tristes

Mais un peu triste toi qui sais
Tu lui diras que je m'en fiche...
que je m'en fiche... 

La Vie d’artiste, Léo Ferré 

John Atkinson Grisham

Au Jour de tes funérailles 

Robert Varlez - Hélène Schjerfbeck

Le Grand Chien Noir de la Mort

Cathy Hegman - Hugo Simberg

  Prière   

Odilon Redon - G. Van De Woestijne

 Envol

 Wim Schumacher - Karel Willink

Mes Enfants 

Edouard Vuillard

ADIEU

Miro - Matisse

Un poème inspiré par une photographie de Betina La Plante

MOCHÉ KOHEN

L a   t r a m e   d e   l ’ ê t r e

https://www.facebook.com/moche.kohen?fref=ts

D'où sont issus les papillons humains de Kohen ? Quelle est cette poudre (cette poussière, cette cendre) qui recouvre le tissu léger de leurs ailes invisibles ? Ces suspensions menacées d’évaporation, ces êtres d’une étrange grâce tragique  nous étreignent le cœur. Ils visitent et émeuvent, dirait-on, ce qu’il y a de frêle en nous, ce qu’il y a de fragile, la soie menacée, le coton léger, le tulle fluet de l’être. Il me semble parfois que Kohen rend la trame de l’être, sa toile. L’humanité se dépouille ici de ses apparences, de ses armures, de ses cuirasses pour dire, pour chuchoter le cristal fragile qui la constitue. Ce murmure assourdissant, cet obsédant zonzonnement d’abeille valent tous les cris. Kohen a compris que l’essentiel est parfois ténu, secret, intime. Son œuvre muse, chante et danse cette conviction. Et l'hypnose opère.

Fragiles, presque évanescents, ces êtres se manifestent par la luciole ou le charbon du regard, par des visages ambivalents où s'enchevêtrent les grâces de l'enfance et une douloureuse usure des traits. Ils entretiennent des rapports avec la fumée et la brume, quelque chose semble les menacer de dissipation, et, en raison du rendu de ce danger d'effacement, ils sont formidablement évidents, infiniment présents. Ils ont aussi la beauté, la force presque surnaturelle des halos et des fantômes. Ils ont la puissance de la hantise. Ils sont ourdis dans la toile de la mémoire.

Il arrive qu'ils aient pour fond, pour sauvage écrin un violent bain de sang. Ils ont racine dans l'enfance, le tragique et la légèreté. Ils sont le sfumato. Ils sont matiérés dans un modelé vaporeux, dans un état d'estompement. Kohen atteint à un très haut degré d'intensité poétique par cette façon qu'il a d'établir dans le présent, dans la présence ce dont il suggère l'infinie fragilité. Une tragique impression de chefs-d’œuvre en péril plane sur l’œuvre, l’intensifie, la rend ardente. Ici, lorsqu'ils sont plusieurs, les êtres se blottissent, se cramponnent, s'étreignent. Quelque chose de redoutable est autour d'eux, derrière. Lorsqu'ils sont seuls, quelque chose souvent appuie sur leurs épaules, les fait ployer. Une menace est tapie. Et pourtant, oui, au-delà d'un effroi parfois porté par les êtres, vulnérable et sublime, la beauté se signale, l'irréductible humanité se manifeste. 

J'ai lu quelque part que Kohen est entré en peinture dans le bouleversement provoqué par les oeuvres d'Egon Schiele. Se pourrait-il qu'au-delà de la contorsion violente et du troublant tourment des modèles de l'expressionniste autrichien, Kohen ait trouvé cet état intermédiaire de présence/absence où l'une et l'autre, la présence et l'absence, en raison de leur association intime, sont étrangement exaltées ? Ceci me remet en mémoire la scène de l'effacement des fresques dans Fellini Roma. Et Kohen serait le peintre qui œuvre à l'instant où l'effacement commence à opérer. Kohen serait celui qui jette dans la durée une braise qui a failli s'éteindre. Apollinaire écrivait : "Il y a un poème à faire sur l'oiseau qui n'a qu'une aile". Il me semble que l'oeuvre de Kohen porte cette affirmation en filigrane. Il me semble qu'il y a un poème menacé dans chacune des toiles de Kohen.

J'écoutais, en regardant les œuvres de Kohen, les magnifiques prières juives que l'excellente Sonia Wieder-Atherton interprète avec génie au violoncelle. Instant de sensibilité vibrante. Il me semblait que la musique et la peinture entraient en correspondance. Profonds échos mutuels, les respirations semblaient se croiser.

http://www.youtube.com/watch?v=suAwiZ0y4Pk

Bien sûr, il faut dire et redire que l'oeuvre est poignante, qu'elle remue le regardeur en profondeur. Et pourtant, cet art subtil fait songer à deux doigts délicats cherchant, pour le retenir, à pincer le fil ténu de la mémoire.

La Passion selon sainte Aurore

Je reviens à l'oeuvre virulente de cette artiste comme on revient à un pays étranger qu'on aime et dont le magnétisme nous hante. J'y reviens très souvent. Par goût, par intérêt. Je reviens à ce lieu d'art et de tragédie humaine dans lequel la passion, la douleur, l'attente impatiente, le désir, l'effroi, la colère, la fièvre forment des nœuds inextricables et brûlants. Lieu de tempérament, d’ébullition, de convulsion et de maîtrise. Lieu presque shakespearien. En dehors du temps et pour cette raison infiniment présent. Je reviens avec la conviction qu'il faut témoigner d'un talent de cette force.

Isabercée Di-Puglia

Incarnation de la fièvre

Pour en savoir davantage sur l’artiste, veuillez visiter les espaces suivants :

Isabercée Di-Puglia est une jeune et talentueuse artiste, à la fois dessinatrice et peintre. C’est une artiste complexe, en perpétuelle quête, infatigablement attentive à multiplier ses accès vers l’art et la vie, chez elle très intimement conjoints. C’est un être qui palpite, qui emmène son œuvre (et celui qui la regarde) dans une formidable palpitation, dans un troublant enivrement.  Di-Puglia est une puissante nature, à la fois solaire et épanouie dans la couleur et le trait, dans les éclaboussures de vie, secrète et réfugiée dans la crypte de son œuvre où elle nous convie à regarder les précieux et délicats trésors qu’elle amasse à l’abri du bruit et du mouvement, agile et souple dans un dessin très racé et élégant, exaltée et affirmant la vie et l’amour dans des images d’une formidable vitalité. La vie, - dans tous ses états, de la gourmande délectation aux lenteurs passionnées et intenses de la volupté en passant par la fulgurance ou l’énergie du cri et de l’affirmation, - habite cette œuvre saisissante et dynamique. Entrer dans cette œuvre, c’est s’aventurer dans une formidable agitation, c’est rejoindre pratiquement et s’accorder à la course du sang dans les artères. Isabercée, contrairement à ce que ce joli prénom pourrait laisser entendre, est un être en perpétuel état d’alerte. Elle émet et reçoit à tout instant. J’aime chez Di-Puglia l’électricité d’une nature toujours sur le qui-vive, toujours saturée d’émotion, de passion, cette façon de vivre et de rendre dans son art l’élan de vie, de témoigner de ce foyer ardent autour duquel elle se tient dans un perpétuel et séduisant état de fièvre. Isabercée Di-Puglia est l’incarnation de la fièvre.

J’aime dans l’œuvre l'intarissable lumière qu’émet la lanterne intérieure de l’artiste, c’est une lumière embrasée, un vrai brasier incandescent. Il distribue une étourdissante et exigeante chaleur humaine. Mais cette lumière dit aussi l’amour sacré, l’amour immodéré de l’art. Même les maternités d’Isabercée rayonnent de cette ardeur à aimer, de ce feu brûlant de l’amour. J’aime chez Di-Puglia ces images de couples qui doublent les débâcles pour affirmer la beauté de l’étreinte et de la rencontre. J’aime, dans l’œuvre, nombreuses, ces âmes plus fortes que l’abîme. Car oui, dans les combustibles qui alimentent le feu « bercéen », il y a une spiritualité profonde, incarnée, une spiritualité puissante et fermement reliée au corps, puissamment ancrée en lui. J’aime quand son art atteint à la fresque, à ces fresques plus fortes que la suie, plus fortes que l’éponge de la suie. J’aime le témoignage qu’elles portent, ce témoignage de résistance obstinée à l’usure et à l’effacement. Chaque fois, Di-Puglia semble engager sa vie dans ce qu’elle affirme. Et cette œuvre dit une confiance formidable en l’art. Elle est aussi admirable à cet effet, dans cette confiance totale, cette immersion complète, cet investissement définitif. Être, exister, c’est créer. Le moindre trait de Di-Puglia l’affirme, l’assène. Et créer, c’est exalter, attiser le foyer de la vie.  Isabercée Di-Puglia est un être si proche de ses convictions, si intimement liée à elles qu’elle se trouve toujours en état de combustion. Ceci est une des explications de son œuvre ardente et admirable.

Isabelle de la nuit et des couleurs

à Xilef Leclerc, guetteur vigilant

L  U  D  E  N  S

https://www.facebook.com/trioludens?fref=ts

Ludens est un groupe musical de Bogota. C'est un trio formé de Katie Ellen James (voix et guitare), Ana Maria Lopez (violoncelle) et Jorge Zarate (cordes). La musique de la formation est chaleureuse, très habitée, originale, color&ée de sonorités nouvelles ou inattendues et la voix de Katie Ellen James est un bijou sonore, intense, envôutant et formidablement expressif. Cette très belle formation reprend de façon magistrale quelques titres de notre bien-aimée Lhasa de Sela. Lorsque le jeu (ludens) atteint cette qualité, on l’accueille comme un événement culturel. Ce que je fais. Je soumets les belles covers de Lhasa à votre écoute.

I S    A N Y T H I N G    W R O N G

https://www.youtube.com/watch?v=deNxCoZOoO8

L O V E    C A M E    H E R E

https://www.youtube.com/watch?v=4fvQocmkwZ4

Je vous suggère aussi cet espace dévolu à notre fée : 

http://www.alwaysontherun.net/lhasa.htm

M o n   V i e i l   A p a c h e

Légendes de chevalet

à Alain

Ton Œuvre

Tes grands travaux abstraits

Le Passage

R i t a   C a r m o   a   p h o t o g r a p h i é   L h a s a

Le très vigilant guetteur québécois Xilef Leclerc, par le signal qu'il donne au groupe En hommage à Lhasa, attire mon attention sur le site de la photographe portugaise Rita Carmo (née en 1970 à Leiria) et qui a publié un peu partout, de la France au Japon en passant par l"Angleterre. Elle a réalisé en décembre 2004 deux beaux portraits de Lhasa que voici, portraits qui sont visibles sur le blog de l'artiste :

http://ritacarmo.blogspot.ca/2010/01/lhasa-de-sela.html

Mon espace photographique

http://denys-louiscolaux-imagier.skynetblogs.be/

ARMAND RASSENFOSSE

un génie belge

Voilà un des artistes wallons majeurs de la jonction des dix-neuvième et vingtième siècles, un artiste supérieurement doué et impardonnablement méconnu. Il est à la fois graveur, dessinateur, peintre, aquafortiste, lithographe. Il est aussi l'ami et le collaborateur de Félicien Rops avec qui il met au point une nouvelle pratique du verni mou (technique de gravure en creux) : le ropsenfosse. Il excelle à représenter la femme, c'en est un des plus passionnants chantres.Son art est subtil, ferme, audacieux, inventif. Remarquable affichiste, il est aussi, en 170 magnifiques eaux-fortes, le génial illustrateur des Fleurs du mal de Charles Baudelaire. Rops,a-t-on écrit, l'éclipse. C'est une bêtise, les étoiles ne s'éclipsent pas entre elles. La bêtise a souvent pour objet d'exonérer l'ignorance. C'est, au demeurant, ma passion pour Rops qui m'a fait découvrir le génial Rassenfosse.  

http://fr.wikipedia.org/wiki/Armand_Rassenfosse

http://www.wittert.ulg.ac.be/fr/flori/opera/rassenfosse/rassenfosse_notice.html

http://fr.vivat.be/culture/cinema/article.asp?pageid=1426

http://www.kbs-frb.be/fund.aspx?id=293720&src=true&langtype=2060

http://beauxartsliege.be/IMG/pdf/communique_de_presse.pdf

Les Fleurs du mal de Baudelaire par Rassenfosse

Pour admirer les magnifiques illustrations des Fleurs du mal réalisées par Rassenfosse, consultez ce lien :

http://www.wittert.ulg.ac.be/fr/flori/opera/rassenfosse/rassenfosse_baudelaire.html

Un poème sur une photographie de Betina La Plante

C a r e s s e r    u n    v i o l o n c e l l e

O précieux et doux démon du ciel doué d'une avantageuse absence d'ailes, dauphin clair dans sa mue d'ombres, diamant noir sur le lait plissé du drap, sur la jonque en allée du lit, je me détourne du chemin des étoiles pour apercevoir, par la fenêtre, entre les rideaux ouverts, sur la scène de la chambre, le lumineux chemin de tes lignes tendues. Voilà, bel ange obscur et terrestre, ce qui vaut un détour, l'effort d'un détour, voilà ce qui console des laideurs du monde et de son goût pour la soue. Au bout du jour, je pourrai dire, alors que chacun entendra mon âme exaltée ourler mes mots d'un frisson : "J'ai lu trois poèmes de Baudelaire, j'ai marché à la lisière de la forêt d'où un chevreuil a jailli et j'ai vu, par un hublot sur l'infini des êtres vivants, un instant de féminité faire pâlir le crépuscule". Cette nuit, je songerai à un violoncelle aimé de l'étreinte d'un orchestre. 

M a r i e - O d i l e   V a l l e r y 

Il y a des artistes qui vous ont à ce point conquis qu'on revient, sous l'effet d'une formidable aimantation, inlassablement à eux. Ils créent des lieux et des œuvres, des atmosphères dans lesquels ce que vous êtes profondément peut respirer et s'épanouir, trouver des oxygènes propices. Marie-Odile Vallery, avec son formidable trait (pour moi, son irrésistible trait), le feu de sa palette, sa manière vive et dynamique, son esthétique (entre le grand Rops et quelque chose de furieusement contemporain, de totalement présent), son univers féminin exalté et passionnant (galerie exemplaire des femmes dans tous leurs états - on y aperçoit quelques hommes ! ) est une des étoiles au ciel de mon panthéon personnel et à ciel ouvert. Marie-Odile me fait le plaisir de me considérer comme un passeur : j'aime, à l'exclusion de tout ce qui pourrait me faire tenir pour sérieux, cette dignité. Éclaboussé par la beauté d'un art, habité, animé, transcendé par lui, vous cherchez à répercuter votre enfièvrement, à rendre justice à une expression en la proposant à l'attention du plus grand nombre. Et d'intercéder vous rend heureux. Il me semble, au demeurant, qu'on est trop loin aujourd'hui de la célébration à laquelle un tel talent a droit, qu'on est trop frileux devant cet art épatant. C'est un grand péché, une faute capitale que celle qui consiste à ne pas savoir saluer la beauté. Mais plutôt que de gémir, pétri d'admiration et d'estime, je préfère affirmer inlassablement mon enivrement et mon ravissement devant l'oeuvre. La savourer sans modération. L'accueillir avec les enthousiastes égards qu'elle mérite. Et, comme des substances et des essences bienfaisantes et troublantes, en partager les effets avec le plus grand nombre.

T R O I S   C O L L A G E S

Voici d'abord, avant de revenir aux splendeurs de l'oeuvre peint et dessiné, trois collages de l'artiste. Ils font pleinement partie de la geste de Vallery :  méticuleusement et artistement conçus, ils vivent dans l'élégance et la profondeur, ce sont de vertigineuses fleurs de poésie.

OE U V R E   P E I N T   E T   D E S S I N É : N O U V E A U X   J O Y A U X

A l i c e    N e e l

(1900-1984)

Alice Neel est une artiste américaine, spécialisée dans les arts visuels et connue pour la très passionnante singularité de son oeuvre peint : une production alerte, époustouflante, constituée de portraits atypiques (ses amis, amants, des artistes qu'elle connaît, quelques étrangers), inventifs, captivants, épicés parfois d'une pincée d'humour, colorés et chargés en émotions, des portraits fondés sur un usage étourdissant de la ligne. La peinture et le dessin sont chez elle intimement imbriqués, se portant mutuellement, créant un style, une geste qui va marquer le vingtième siècle. Le choix même de ses sujets indique son ouverture d'esprit, sa vision du monde, son refus de tout sectarisme, son refus du racisme, son humanité ouverte, refusant toutes les ségrégations. Son oeuvre porte aussi témoignage des drames d'une vie, des désarrois immenses, des appels du néant. Chaque peinture, chez elle, semble exprimer un choix : laisser, au risque de suggérer un inachèvement, les détails pour se centrer ce qui est le moteur du travail pictural. (Le superbe portrait, - l'artiste est d'une grande beauté -, est de Robert Mappelthorpe). Neel est aujourd'hui regardée comme un des maîtres de l'art figuratif du vingtième siècle.

ELISABETH GORE (encore et toujours)

Je reviens à elle. Pour prendre part à la respiration spirituelle de cette oeuvre, à sa chaleur paisible, à son cheminement méticuleux, inquiet et poétique, ensemble. Aventure spirituelle. Merveille d'humanité. Je m'attarde devant trois nouvelles œuvres pour vivre un instant dans leur secret révélé et demeuré secret, pour paraphraser René Char. Cette création picturale me rend un instant prudent, un instant léger et profond. Elle m'offre substances et essences, matière et âme à poème. Elle me prête sa lenteur inspirée, le poids de plume de son geste sacré. Trouver cela, le matin, après l'avalanche radiophonique des catastrophes quotidiennes, c'est trouver un trésor, une oasis étrange, des indices de lumière intérieure, une captivante danse de gestes lents.

Isabelle Vialle

Artiste peintre expressionniste française née en 1970

http://vialle.isabelle.free.fr/

Voilà une artiste reconnue et extrêmement complexe, secrète, enfouie et pourtant au gouvernail d’une œuvre hallucinante qui semble pourtant faire l’économie de tout ce qui éblouit. Son art semble consister en un curieusement accouchement du filigrane des choses, une venue au monde du caché, du tapi, l’avènement d’une épiphanie profane et fantastique, une étrange épiphanie comme légèrement atténuée, estompée par un très discret voile onirique. Le rêve est ici inséparable du cauchemar, le beau du laid, le figé du chorégraphique, l’élan du magma. L’œuvre ne crie pas, elle s’impose par une sorte de majesté terrible, l’œuvre s’établit dans la haute vocation de la monstruosité, le monstre étant ce qui est digne d’être montré, le monstre étant ce qui avertit, éclaire, inspire, le monstre pouvant figurer encore l’être de caractère surnaturel.

Il y a dans cet étonnant amalgame, - que la geste picturale rend néanmoins cohérent -, de fleurs et de végétaux humains  étranges, inquiétants, vénéneux ou troublants une philosophie de la vie, une considération de l’espèce en retrait de toutes les dichotomies rudimentaires et de toutes les classifications triviales. L’artiste cherche, traque inlassablement  l’être dans le temps, dans les livres, les légendes, dans les chemins de ses ambiguïtés et de ses déclinaisons successives, dans ses fantasmes, ses effrois, ses enfers, ses hantises. Mais elle mène sa traque en esthète, avec une qualité de geste qui séduit, une profondeur de trait, une manière d’une subtilité effarante, elle opère dans les sombres, dans des fonds nuit, avec des résurgences de bleuté, des gazes, des brumes, à l’écart de tous les aguichages chromatiques.

Vialle semble à la tête d’une formidable conjonction d’attributions : prophétesse du malheur et du destin problématique des êtres, visionnaire lovecraftienne, artiste du fantastique, poétesse du désastre, pythie hallucinée,  chantre de la grâce blessée, annonciatrice du passé, des convulsions antédiluviennes conduites dans la giration de la terrible répétition, conteuse visuelle, brasseuse de mythes, tératologue esthète,  spécimen inédit de frémissante humanité, elle est une sorte de formidable âme en ébullition projetant sur la toile, - avec une maîtrise rare, un sens exceptionnel de la nuance -, laves, vapeurs, fragments de nuit, formes crépusculaires, silhouettes nocturnes, merveilleux lambeaux de l’histoire convulsive et de la légende de l’être.

Dans ce fastueux spectacle macabre et visuel, on voit de vrais fantômes, des brouillards de marais, des fumées d’enfer, on croise les irrésistibles poèmes macabres de Baudelaire, les douloureux effrois de Howard Philip Lovecraft, la fumée délétère de certains ses mythes, on voit les pauvres et les miséreux de Dickens ou de Charles-Louis Philippe, on voit le drame terrible des déshérités de la terre et des gueux, les pleurs des damnés et les larmes du malheur, une crispante atmosphère d’apocalypse, l’intrusion sinueuse du surnaturel, le prophète Jérémie, la colère de  Léon Bloy, la pensée antique, l’évolution hallucinée de l’espèce, l’imagier des contes mené au maximum de sa fièvre.

Plus encore, on admire dans l’œuvre cette rencontre assez inédite, hautement, puissamment troublante, entre l’horreur et le tendre, le délicat et l’effrayant, le corrompu et l’attendrissant, l’affreux et l’humain.  Un talent exceptionnel accomplit la merveille de faire tenir tout cela dans une œuvre qui rayonne presque noir. Oui, s’il est vrai qu’une étoile a pleuré rose, voici une œuvre qui rayonne presque noir. Et ce presque cache un trésor d’humanité. Un frisson sublime. La forme la plus inattendue, et peut-être la plus bouleversante, de la compassion.

Philippe Bousseau : photographies - Denys-louis Colaux : poèmes

C  R  Â  N  E  R  I  E